Размер шрифта: A A
Цвет сайта: A A

Коллекция музея МФЮА

«ВОЗВРАЩЕНИЕ БЛУДНОГО СЫНА» 
Фламандская школа, 1650 г. 

Картина передана в дар музею «Дворянское собрание» выпускником Московского финансово-юридического университета МФЮА, ныне успешным бизнесменом, пожелавшим остаться неназванным. Живописный шедевр, выполненный маслом на дереве, занял достойное место в коллекции вуза.

История о Блудном Сыне, благодаря назидательному характеру и изобилию драматических поворотов, постоянно привлекала к себе внимание художников. К ее сюжету обращались прославленные мастера всех столетий. Отголоски этой притчи слышатся и в литературе. Любящий и прощающий Отец - Бог не настаивает на любви Сына - каждого из нас, не требует послушания против нашей воли, не упрекает нас, когда мы уходим от Него, и прощает заблудшего в самый день покаяния.

Фламандский художник иллюстрирует повествование, изложенное в Евангелии от Луки: Сын, получая наследство, покидает отчий дом. Он пирует с куртизанками на постоялом дворе, предаваясь веселому времяпрепровождению. Льется вино, на столе - обильное угощение, игральные карты или кости, музыкальные инструменты, словом, все символы чувственных наслаждений. Далее художник показывает: на чужбине Блудный Сын, оставшийся без денег и ставший никому не нужным, пасет свиней.

В правой части картины мы видим, как Отец обнимает вернувшегося и павшего перед ним на колени в раскаянии Сына: «Отче! Я согрешил против Неба и пред Тобой и уже недостоин называться Сыном Твоим».

Картина выполнена художником в теплых тонах. Панорамная, вытянутая по горизонтали композиция содержит три сюжетных линии. Герои изображены на фоне пейзажа, объединяющего повествование. Образ реки стал символом, отделяющим жизнь героя в начале его пути от той, где он стоит на коленях перед своим Отцом. Она как бы делит не только картину на две условные части, но и саму жизнь Блудного Сына на, ту, где он заблуждался и совершал ошибки, и ту, где осознал их и, покаявшись, вернулся в Отчий дом.

Притча о Блудном Сыне несет идею покаяния, неисчерпаемой любви Бога и прощения. Это тонко уловил и запечатлел неизвестный фламандский живописец середины 17 века. Никогда не поздно понять свои ошибки, покаяться в грехах, вернуться на путь истинный и получить прощение. 


МИНИАТЮРЫ







Портрет юной девушки.
Слоновая кость, акварель.
Франция, конец XVIII. 











Портрет юноши.
Слоновая кость, акварель.
Европа, 1830 г. 











Портрет юноши.
Слоновая кость, акварель, человеческий волос.
Франция, начало XIX в. 







«СПЯЩАЯ ВЕНЕРА»
Фредерика Эмилия Августа О’коннелл, 1851 г. 

Целомудренная, несмотря на наготу, погруженная в спокойную дрему Венера изображена в окружении амуров. На темно-красном фоне уходящего дня она безмятежно спит, предаваясь мечтам и фантазиям. За спиной прекрасной богини любви и красоты - просторное небо, рядом маленькие амуры, играющие в траве, все вместе они создают ритмическую кривую, замыкающую все формы в единый плавный контур.

Такой мотив был характерен для древнеримских свадебных поэм: богиня любви спит, Купидон будит её. После пробуждения Венера отправляется на свадебное торжество к паре, которой посвящена поэма.

Художница родилась в 1823 году в Ирландии, в конце 20-х гг XIX века семья переехала жить во Францию. Фредерика училась живописи в Берлине и Париже, в середине века работала над картинами в Риме и Брюсселе. Возможно, поэтому сюжет и стиль картины «Спящая Венера» восходят к оригиналам Питера Пауля Рубенса. В России художница стала известна как автор портрета Александра Герцена (1863 г.). Ею созданы еще несколько работ, самая известная из которых - портрет командира лейб-гвардии гусарского полка Иллариона Воронцова-Дашкова (1868 г.). Иван Тургенев, Александр Герцен, Федор Тютчев отмечали ее виртуозное владение кистью. Картины О’Коннелл есть в «Эрмитаже» и коллекции Музеев Московского Кремля.



«СВЯТОЕ СЕМЕЙСТВО С ИОАННОМ КРЕСТИТЕЛЕМ»
Французская школа, XVII век

Картина французского художника, написанная маслом на меди, датирована XVII веком. На ней изображены Мария, Иосиф, маленький Христос и Иоанн Креститель в окружении Святых.

Французское искусство XVII в. основано на традиции французского Возрождения. Живопись и графика Фуке и Клуэ, скульптуры Гужона и Пилона, замки времен Франциска I, дворец Фонтебло и Лувр, поэзия Ронсара и проза Рабле, философские опыты Монтена – все это проникнуто идеей классического понимания формы, строгой логики, утонченного чувства изящного. Картина из собрания МФЮА подтверждает эти правила.

Изображение Святого Семейства появляется в европейском искусстве в XV веке. Фигуры Мадонны с младенцем и Святыми объединенные в общем пространстве, символизируют Святое Сообщество или Святое Собеседование.

На переднем плане расположена фигурная группа, в которой движение развивается по диагонали снизу вверх. На втором плане - архитектурный мотив слева и красный занавес справа. Он словно приоткрывает нам таинство и святость представленного художником события. Фигура сидящей на небольшом возвышении Мадонны с Младенцем ясно читаема и несколько сдвинута вправо по отношению к центру. Христос обращен к Иоанну Крестителю, изображенному в профиль верхом на агнце. В позе юной матери отразились любовь, нежность и тревога за судьбу сына: она предчувствует его великую жертву.

Правильно выстроенная композиция, динамичные позы героев, изысканное цветовое решение восхищают своим совершенством.



ПЬЕТА
Самшит, 16 см.
Европа, 1750 г.

Смерть и сопровождающая ее скорбь словно содержатся в самом материале, из которого изваяна скульптура. Соотношение фигур таково, что они образуют низкий треугольник. Обнаженное тело Христа контрастирует с одеждами Богоматери, богатыми светотенью.

Тяжесть капюшона Богородицы, словно заставляет ее склонять голову вниз, ко Христу. Автор останавливает внимание на распростертом на коленях Матери теле Сына. Она надежно держит его в своих руках, открывая зрителю его неподвижное лицо, глаза, закрывшиеся в глубоком сне. Скульптор сумел прочувствовать и передать всю боль и тяжесть утраты, которая легла на сердце Матери.

Неидеализированные черты скорбного лица Богородицы даны в обрамлении мягких складок покрывала. Образ полон отчаяния. Каскадом ниспадают складки ее длинной одежды. Их ритм подчеркивает изгиб и неподвижность тела Христа.





«СВЯТОЕ СЕМЕЙСТВО»
Нижний Рейн, начало XVI века.
Происхождение: Galerie Heinemann, Висбаден.

Картина, написанная маслом на дереве, представляет собой изображение Святого Семейства со Святой Анной. На переднем плане многофигурной композиции - Младенец, справа - Мария, слева - Анна, в центре - Иосиф. Христос протягивает Матери спелый плод (по всей видимости, плод груши), такой же плод держит в руке внимательно смотрящий на зрителя Иосиф. В европейской традиции груша символизирует небеса и непорочность.

В картине представлено много общехристианских символов: корзина с вишнями символизирует жертву Христа. Правой ручкой Он касается плодов, словно показывая свое предназначение. В стороне от Младенца мы видим плод, напоминающий по форме яблоко - символ грехопадения Адама и Евы. Яблоко изображено в стороне, и присутствующие на картине Святые словно не замечают его.

Монументальными и строгими предстают перед зрителем Святые: они живут вне времени и пространства, в вечности. Золотые цветущие деревья, создающие фон, также имеют иносказательный смысл. Листья, словно кулисы, открывают зрителю райский мир духовной чистоты и веры.



«ХРИСТОС НА ГОРЕ ЕЛЕОНСКОЙ»
Немецкий мастер, вторая половина XV века. 

Картина, написанная неизвестным немецким художником, датируется второй половиной XV века. В почерке и стиле мастера проявилось влияние искусства Мартина Шонгауэра, в первую очередь, его графических работ.

Моление о Чаше относится к известным сюжетам в западноевропейской живописи. Художник точно следует евангельскому повествованию, изображая молящегося Христа, троих спящих учеников и Иуду со стражей.

Автор стремится подчеркнуть трагическое одиночество Иисуса Христа. Он, стоящий на коленях, является центром композиции. Иуда со стражей - на втором плане, а спящие ученики - на переднем. Их сон подчеркивает значимость слов Христа: «Бодрствуйте и молитесь, чтобы не впасть в искушение: дух бодр, плоть же немощна». Сон учеников противопоставляется бодрствованию и молитве Христа. На дальнем плане – традиционный для живописи эпохи Северного Возрождения пейзаж: ландшафт и замок, характерные для местности, где проживал художник.




ПОРТРЕТ СТАРЦА.
Лоренц Штраух.
Германия, 1623 г. 

Лоренц Штраух, известный немецкий живописец и рисовальщик, находился под сильным влиянием фламандских портретистов.

Погрудный портрет мужчины, выполненный маслом на дереве, специалисты датируют 1623 годом. Сдержанный колорит построен на переходе от темного платья, почти сливающегося с фоном картины, к теплым краскам лица. Автор фокусирует внимание на глазах и внутреннем мире человека. Взгляд его направлен на зрителя, пропорции соответствуют золотому сечению.  









«АННА ПОСВЯЩАЕТ САМУИЛА БОГУ»
Христиан Вильгельм Эрнст Дитрих (1712-1774 гг.)

Картина принадлежит кисти известного немецкого художника и гравера Христиана Вильгельма Эрнста Дитриха (30 октября 1712 г. — 23 апреля 1774 г.). Она подписана «Dietericij», как и большая часть картин художника.

Ветхозаветная легенда такова: родители Самуила долго не имели детей. Однажды мать Самуила Анна во время усердной молитвы перед Скинией дала Богу обет: если у нее родится сын, она посвятит его Господу. Молитва Анны была услышана, через год у нее родился сын. Анна назвала его Самуилом, что значит «испрошенный у Бога». Когда Самуил подрос, мать привела его в Скинию и отдала на служение Богу первосвященнику Илию, который был в то время судьей народа израильского.

Работа наполнена ощущением тревоги. Центральную часть композиции занимает вставшая на колени Анна, которая тянется к маленькому Самуилу. Лик ее печален и исполнен тревоги: она - само воплощение материнства. Самуил тянется ручками к матери, но решение уже принято: «Я - та самая женщина, которая здесь при тебе стояла и молилась Господу. О сем дитяти молилась я, и исполнил Господь прошение мое, чего я просила у Него. И я отдаю его Господу на все дни жизни его». Композиционное единство и чистые благородные краски одеяний героев создают целостный гармоничный образ.

Автор картины Христиан Вильгельм Эрнст Дитрих родился в 1712 году в г. Веймар, с детства учился живописи у своего отца, Йохана Георга, который состоял миниатюристом при дворе местного герцога. В возрасте 18 лет Христиан сумел за два часа написать картину, которая привлекла внимание короля Саксонии Августа II Сильного. Монарх помог юноше получить дальнейшее образование за границей – в Италии и Нидерландах. В 1741 году Христиан Дитрих был назначен придворным художником польского короля Августа III Саксонца в Дрездене.  



«КРЕСТЬЯНЕ»
Себастьян Бурдон. Франция, XVII век.

Эксперты полагают, что картина принадлежит кисти знаменитого французского художника Себастьяна Бурдона. Об этом свидетельствуют стилистические особенности живописи. В конце жизни художник создавал живописные и гравированные пейзажи, основой которым становились библейские сюжеты.

Себастьян Бурдон был учеником Клода Лоррена. В 1643 году написал «Распятие Святого Павла» для собора Notre Dame (хранится в Лувре). Во время Тридцатилетней войны Бурдон уехал в Швецию, где стал придворным живописцем королевы Христины. По возвращении в Париж был одним из основателей, а затем и ректором Академии живописи. Картины художника находятся в крупнейших музейных собраниях мира, в том числе в Эрмитаже.



СТОЛОВОЕ СЕРЕБРО 

МФЮА обладает исключительной по своей художественной значимости коллекцией столового серебра XVIII-XIX вв. Для России этого периода типичны стопы, братины, чарки, сухарницы, сахарницы, украшенные гравированным и чеканным орнаментом. Коллекция представлена работами известных мастеров: братьев Грачёвых, Ивана Губкина, Павла Сазикова, Николая Хлебникова.

ЧАША. 
Серебро, чеканка, золочение. 
Москва, XIX в. 


САХАРНИЦА. 
Серебро, литье, чеканка. 
Санкт-Петербург, 1804 г. 
Мастер Александр Яшинов (1795-1826 гг.).
СУХАРНИЦА. 
Серебро, чеканка, золочение. 
Санкт-Петербург, XIX в. 



«ВЕСНА»
Алексей Кондратьевич Саврасов.
Россия, XIX в.

Поэтичная, в то же время печальная и радостная ранняя весна - один из излюбленных мотивов в творчестве художника. На дворе ранняя весна, голые деревья, кое-где еще лежит снег, из печной трубы деревенского домика поднимается дым, замерзшие грачи на переднем плане. За этим на первый взгляд ничем не примечательным серым неприветливым пейзажем открывается широкий среднерусский простор с его поэтичностью и неприметной сдержанной красотой. Тонко найденный ритм домов, очертание далекой деревеньки, уходящий вдаль воздушный план создают ощущение бескрайности.

Картина демонстрирует графическое мастерство художника. При помощи карандаша и белил Саврасову удалось гармонично сочетать конкретность и обобщение, сиюминутную красоту природы и ее переходное состояние. Как позднее скажет его ученик Исаак Левитан, именно с «Саврасовым появилась лирика в живописи пейзажа и безграничная любовь к своей родной земле».



«БЕСЕДУЮЩИЕ ДАМЫ И ГОСПОДА У ВОРОТ ХАРЛЕМА»
Эсайас ван де Вельде.
Голландия, первая половина XVII в.

Эсайас ван де Вельде, известный голландский художник и гравер XVII века, был сыном антверпенского художника Ганса ван де Вельде. Учился у Гиллиса ван Конинкслоо и Давида Винкбонса. В 1612 г. стал мастером гильдии Святого Луки. Эсайас ван де Вельде, работавший в Харлеме всего лишь несколько лет (с 1610 по 1618 гг.), считается представителем Харлемской школы живописи, внесшей новый эмоциональный аспект в голландский пейзаж. Кроме пейзажей с отдельными фигурами людей, он писал городские виды и жанровые картины, одна из которых представлена в коллекции.

Художник изобразил городских жителей на фоне главных ворот Харлема. Картина написана в традиционной для голландской живописи XVII века манере. Ее отличает сдержанность колорита, однако, изображенная сцена наполнена эмоциями и энергией.



ФАБЕРЖЕ

Превосходная коллекция декоративных предметов изготовлена ювелиром фирмы Фаберже Михаилом Першиным. На некоторых предметах имеется монограмма императора Николая II.

 


Портсигар.
Золото, эмаль, чеканка.
Мастер М.Е. Першин
. 

Овальная Табакерка.
Золото, драгоценные камни, чеканка.
Мастер М.Е. Першин.

Табакерка.
Сплав, камни, эмаль, чеканка.
Мастер М.Е. Першин (1860-1903 гг.).
 

Овальная табакерка.
Золото, камни, эмаль.
Мастер М.Е. Першин.





ШКАФ-ШИФОНЬЕР.
Россия, начало XIX в. 

Шкаф-шифоньер из полированного красного дерева с тремя выдвижными ящиками в нижней части и двумя полками. Стиль Ампир. Передняя сторона шифоньера имеет скругленную поверхность, боковые – прямые гладкие.

Низкий карниз из двух полосок узких планок поднят в средней части. Дверки украшены резными вставками прямоугольной формы. Замочные отверстия ящиков и дверок имеют ромбовидные вставки.

Шифоньер, изящный и лаконичный в исполнении, по праву считается прекрасным образцом русской мебели начала XIX века.









ДИВАН, первая половина XIX века. 

Диван из красного дерева (цвет красный). Стиль Ампир. Спинка жесткая, двояковыгнутая. Направление слоев текстуры вертикальное. Текстура фанеровки спинки дивана - «пламя».








ДВА КРЕСЛА, первая половина XIX века.

Красное дерево (цвет красный). Стиль Ампир. Спинка и задние ножки слегка отогнуты назад. Локотники имеют фигурную форму.







СТОЛ ЛОМБЕРНЫЙ, начало XIX века. 

Стол ломберный из красного дерева (цвет коричнево-красный). Стиль Ампир. Направление слоев текстуры на царге вертикальное. На крышке текстура направлена по длинной оси. Крышка стола складывается пополам.







ДВА КРЕСЛА, начало XIX века.

Красное дерево (цвет золотисто-красный). Стиль Ампир. Спинка и задние ножки слегка отогнуты назад. Передние ножки имеют утолщение в верхней части в виде пальметки. Резьба на завитках локотников имеет форму дельфина. 






ТУАЛЕТНЫЙ СТОЛ, конец XVIII века.

Туалетный стол из тополя (цвет золотисто-коричневый) имеет фигурную столешницу с выступающими над корпусом ящиками. Окантован лепным золоченым узором. 

















ДИВАН, начало XIX века.

Диван из красного дерева (цвет темно-красный). Стиль Ампир. Спинка жесткая, выгнутая. Волюты локотников резные в форме кегли. Направление слоев текстуры вертикальное. На спинке текстура фанеровки – «пламя».






СТОЛ, первая половина XIX века.

Стол восьмиугольной формы с ящиком на фасаде. Красное дерево (цвет красно-коричневый). Стиль Ампир. Слои текстуры на крышке направлены по длинной оси. Стол стоит на восьмигранной ножке. Опорой для нее служит четырехконечное основание с ножками в форме звериных лап.







КОМОД, 1800 –е годы.

Комод с тремя выдвижными ящиками. Красное дерево (цвет красно-коричневый). Стиль Ампир. Направление слоев текстуры – вертикальное. Комод стоит на невысоких устоях со скругленными внутрь сторонами. По углам и вокруг замков инкрустирован черным деревом.









ДВА КРЕСЛА, первая половина XIX века.

Два кресла из красного дерева (цвет красный). Стиль Ампир. Направление слоев текстуры на ножках и царге – вертикальное. Задние ножки кресел имеют выгнутую форму. Спинка и локотники декорированы резными элементами.







«КОКТЕБЕЛЬСКИЙ ЗАЛИВ»
Максимилиан Волошин, 1927 год.

Талант Максимилиана Волошина многогранен: русский поэт, литературный критик, впоследствии известный художник с весьма незаурядным и самобытным дарованием.

На картине предстает повторяющийся во многих работах Волошина пейзаж с изображением залива. Скудная природа, выжженная зноем земля купается в золотистых оттенках полуденного солнца. Тонкое деревце на переднем плане - образ растительного мира Киммерии; гладь морской воды, излучающая умиротворение; иллюзорный горный хребет, обладающий собственной орнаментальной выразительностью, словно выступают из вечности, отражая грандиозную вневременность запечатленного художником символа неуловимого мира.